Band australiana che esordisce su Epitaph records con un una mezz’ora di furia rock’n’roll che profuma tanto di Hives e affini.

Non solo distorsioni, ma un approccio alla forma canzone in qualche modo orecchiabile, seppur a fedeltà molto basse e sommersa da distorsioni. Un disco non del tutto primitivo, con un proprio stile e una coerenza di fondo, anche nella durata, ottimale per questo tipo di produzioni.

Michel Grubbs interpreta un barista nella serie tv “One Three Hill”, praticamente il ruolo che svolgeva nella vita di tutti i giorni. In qualche modo è riuscito a dare alle stampe questo innocuo dischetto, aiutato da qualche passaggio televisivo delle sue canzoni.

Niente di stravolgente, anzi, la scrittura fa spesso cilecca e la banalità è dietro l’angolo seppur ben nascosta da una piacevolezza di fondo. Una mezza bocciatura per un disco che, se non avesse potuto sfruttare la visibilità televisiva, probabilmente non avrebbe mai visto la luce.

Cosa c’è di nuovo da dire in ambito post-rock? Niente. I Kisses From Mars, band di Ravenna, quel “niente” lo ribadiscono ancora una volta ma lo fanno bene. Post-rock che quando alza i toni sembra più convincente di quando l’adrenalina cala e le atmosfere più liquide prendono il sopravvento.

Disco ben suonato che segue la scia dei più noti Explosion In The Sky. Niente male, anche se già sentito migliaia di volte.

Progetto di due batteristi, Dave Hyde dei Futurheads e Neil “Beast” Bassett dei Golden Virgins, “Slow Down” si offre all’ascoltatore come un bel disco in vecchio stile. Un po’ (molto) Beatles, con qualche spruzzata, sempre d’effetto vintage, a stelle e strisce. Non un semplice esercizio di stile, piuttosto un compendio di buona scrittura, gusto melodico e antiquariato pop-rock.

Capace di distinguersi nella miriade di piccole uscite mensili del sovraffollato panorama musicale attuale.

Devo superare le mie reticenze in ambiente shoegaze a bassa fedeltà per parlare di questo disco. Troppi, davvero troppi gli album che abusano di questa formula. Almeno le (sì, sono due fanciulle) No Joy lo fanno bene, con quel pizzico di genuinità di fondo che evita di confinare il disco nel novero dei copia e incolla in bella calligrafia.

Magari farà anche la gioia di qualche irriducibile del “guardarsi le scarpe” nelle nuove generazioni pop-rock.

Come rovinare un film grazie ad un titolo ridicolo (l’originale “The Guard” ossia La guardia) e una locandina peggiore grazie ai distributori italiani. Una black comedy eccentrica ed imprevedibile, condito dall’inimitabile humour irlandese, sulla figura insolita e solitaria di un personaggio da western al tramonto interpretato a un superbo Brendan Gleeson candidato al Golden Globe per il ruolo.

Sorprendente esordio dietro la macchina da presa per lo sceneggiatore McDonagh (fratello del McDonagh autore di “In Bruges”). Amara, esilarante e originale e politicamente scorretta “The Guard” è una delle migliori commedie delle commedie dell’anno ed una pellicola che lascia il segno.

Roman Polanski torna in grande stile con un’opera tratta dalle fortunata pièce teatrale della drammaturga francese Yasmine Reza (che collabora alla sceneggiatura) intitolata “Il dio della carneficina”. Sorretto da un cast eccezionale con ben tre premi oscar, Kate Winslet, Jodie Foster, Christopher Waltz e il sorprendente John C. Reilly ma soprattutto da una sceneggiatura che si avvale di ottimi dialoghi che incalzano la narrazione senza tediare o perdite di ritmo.

Essenzialmente “Carnage” è un film sull’incomunicabilità dell’essere umano, in una società che involve antropologicamente tornando alle primordiali lotte di sopravvivenza animali nella giungla umana per stabilire il primato. La teatralità della messa in scena non soffoca il potenziale visivo e narrativo bensì ne esalta i punti di forza che rendono questa commedia cinica e spietata.

Attingendo a piene mani dalle proprie esperienze adolescenziali, il regista Shane Meadows traccia il ritratto di un momento di storia culturale inglese spesso trascurato. Sullo sfondo di una deprimente cittadina, siamo i testimoni di un traumatico rito di passaggio, sia culturale che personale, osservato attraverso gli occhi di un ragazzino.

La parabola del giovane Shaun diventa così una metafora per una intera nazione, incapace di emergere da una situazione drammatica se non con il conformismo di una mentalità che cerca la forza nel gruppo ma non riconosce la dignità dell’altro. Una pellicola indipendente dura e coraggiosa che solo dopo cinque anni è stata distribuita nel nostro paese ma che è divenuta subito un piccolo cult.

Il pallino del Clooney regista è la politica ed al suo quarto cortometraggio continua ad indagare tra le pieghe del potere con una vicenda che si sviluppa tutta dietro le quinte in un susseguirsi di dialoghi serrati e tensione crescente grazie ad una messa in scena sofisticata ma dall’impalcatura narrativa classica.

Circondato da un cast d’attori di prim’ordine (Philip Seymour Hoffman, Paul Giamatti, Ryan Gosling, Evan Rachel Wood, Marisa Tomei) il bel George è abile a dirigere e orchestrare un thriller politico impegnato e patinato che riporta in auge il cinema americano che mette in campo lo star system di Hollywood all’impegno civile.

Una delle vere sorprese dell’anno. O’Connor gira un film sulla redenzione attraverso la metafora tematica tanto cara ed abusata del ring come occasione di riscatto. Ma qui siamo lontani dai canoni hollywoodiani, il suo è un cinema fatto di corpi piegati dalla volontà, che vola alto schivando a più riprese i cliché e le dinamiche del genere.

Un trionfo commovente di perdent,i essenziale, scarno e votato tutto sulla fisicità e la spettacolarità dei combattimenti.Una storia possente e solenne che rimane negli occhi e si conficca sottopelle.

Cupo, malinconico ed elegante il film di Mark Romanek è una storia d’amore atipica, insolita ed angosciante tratta dal bellissimo romanzo omonimo di Kazuo Ishiguro che si poggia sul genere fantascientifico pur non attingendo a nessun crisma del genere.

La storia di tre anime che crescono, amano e soffrono cercando di dare un senso alle loro esistenze, accettando con composto dolore il loro tragico ed ineluttabile destino.

Refn dirige un film di genere cinico ed originale che evita le trappole hollywoodiane del conformismo e soprattutto quelle del dejavù riuscendo ad articolare un meccanismo perfetto che si avvale di un montaggio straniante, angolazioni insolite che creano sorprendenti composizioni visive che si sincronizzano perfettamente con l’emotività e la tensione pulsante che viene sciorinata nella pellicola.

Incastrando una storia d’amore in un noir pulp difficile da dimenticare. Premio miglior regia al Festival di Cannes.
Un regista da seguire che si conferma uno dei migliori autori visionari dell’ultima generazione.

Il caso dell’anno. Una dichiarazione d’amore alla settima arte che in piena era digitale e tridimensionale torna alle origini del cinema, all’epoca del muto e del bianco e nero in un’opera indimenticabile, un gioiellino destinato a far breccia nei cuori di tutti i cinefili innamorati di quest’arte.

Un’opera tenera e leggera realizzata con stile e grazia d’altri tempi ma con piglio moderno. Ritmo, eleganza e passione sono gli ingredienti esplosivi di un film che rimarrà negli annali di storia del cinema e che regala in sala un esperienza sensoriale diversa, tutta giocata sulle immagini e lo splendido sonoro che accompagna la narrazione. Imperdibile.

Il film più atteso. Ancora più complessa di quanto fosse lecito attenderci. Le origini della vita in un percorso che attraversa spazio, tempo e memoria alla ricerca intima e umana del senso di tutto ciò che esiste. La mitologia dell’anima, contrasto tra natura e grazia secondo Terrence Malick, che parte dal privato per giungere all’universale in un gioco di metafore, simboli, dialoghi in una sinfonia d’immagini complessa e affascinante per raccontare la storia di una famiglia americana degli anni 50 come se fosse solo una cellula infinitesimale ma palpitante nel cosmo e nel processo di creazione.

Un film immenso che non si esaurisce nella semplice visione, che ne necessita ulteriori e ridisegna i confini stessi del cinema e che probabilmente non è nemmeno di questa epoca.

un disco che è anche una conferma. La conferma della grandezza di un gruppo che per la sua terza prova in studio si inventa un concept album in cui si racconta una storia d’amore, dove questo va direttamente a scontrarsi con la morte. Ma dove sarà l’amore a dare la forza a David, che dovrà dimostrare di non essere il responsabile della morte dell’amata Veronica.

Una voce sporca, quasi tendente al growl, che soventemente duetta con una controparte femminile, ci racconta la vicenda in diciotto canzoni dove è il punk – rock, in ogni sua forma, a far da padrone, giostrando il tutto su un tappeto di tre chitarre incandescenti che fanno un eccelso lavoro. Arduo da mandar giù tutto d’un fiato, ma ricco di grandi pezzi e grande cuore. Scritto davvero bene e suonato meglio.

Ascolta David Comes To Life

In tutta onestà, pensavo fosse difficile per Polly Jean sfornare un altro disco che eguagliasse “White Chalk”; e infatti eccoti arrivare quella mezza delusione del disco con John Parish. Ma nel 2011 sono di nuovo costretto a rimetterla in classifica, perché con “Let England Shake” si parla di nuovo di disco bellissimo.

Ci sono, in effetti, poche altre parole per descriverlo: un lavoro maturo, emozionante, che dialoga col presente e col passato della sua autrice, che fonde poesia, modernità e tradizione. Un’anima Rock che ormai veste abiti Folk; e che le calzano a pennello. Che donna, Polly Jean.

Ma come sarà mai J Mascis che imbraccia la chitarra acustica? Ovviamente come i Dinosaur Jr, ma con gli amplificatori spenti.

Il buon vecchio J, in perfetta (quasi) solitudine, condisce questi dieci episodi con la consueta, scazzata malinconia. Il miglior Neil Young acustico in versione autistica, super – ispirato, privo di rumore e pregno d’intimismo. Un gioiellino per chi, dopo “Farm”, ha voglia di far riposare un po’ le orecchie.

Ascolta Not Enough

Ottimo disco che arriva dopo una serie di altri lavori altrettanto validi.
Esempio di grande scrittura Pop, che sa essere sia accessibile sia altamente stratificata, con guizzi che concernono in egual misura melodie e arrangiamenti. A metà strada tra i Radiohead di “The Bends” e il Peter Gabriel meno contaminato.

Una band e soprattutto un disco da amare e riascoltare, perché cresce e cresce sempre più. Il gruppo che i Coldplay avrebbero voluto diventare; anche se, forse, preferiscono essere una cover band dei peggiori U2.

Mai e poi mai vi capiterà di leggere l’aggettivo “solare” accanto al nome della formazione capitanata da Alan Sparhawk e Mimi Parker. In questa circostanza, però, mi va di scomodare questa parola, perché a suo modo “C’mon” rappresenta un momento in cui i toni cupi duettano e ben si sposano con quelli più variopinti, andando a creare paesaggi elettroacustici densi di tristezza sana e di sottile malinconia, con qualche raggio di sole in più all’orizzonte.

Un lavoro che merita un plauso e, com’è ovvio, la presenza in classifica.

un gruppo destinato ad essere per sempre un piccolo culto senza ottenere i larghi consensi che invece meriterebbe. Gli Eleventh Dream Day sono probabilmente l’ideale punto d’incontro tra Dream Syndicate, Yo La Tengo e R.E.M., con punte di Replacements e Dinosaur Jr.

Un grandissimo ritorno, che non ha cambiato e né tantomeno cambierà le sorti della musica, ma che regala un’ottima serie di pezzi chitarrosi, intrisi di melodie limpide e anche un po’ sghembe. Non perfetto, ma pieno di genuinità e di spunti interessanti per chi ama un certo genere.

una scelta che farà storcere il naso a molti. Ma pazienza, al cuor non si comanda. Per molti sarà un Pop di onesta maniera, ma per gli amanti della band di Athens può essere sorprendente per la qualità e la freschezza delle canzoni che questi tre signori sono riusciti a sfornare dopo tre decenni di onoratissima e meravigliosa carriera. Purtroppo, per l’ultima volta.

Non figurano in prima posizione solo perché da parte mia vuole ancora esserci una parvenza di obbiettività, ma con loro proprio non ce la faccio. E adesso che non ci sono più questo disco acquista ancor più valore, come chiusura ideale di un cerchio perfetto.

Una vera sorpresa. Certo, lo sapevano anche i muri che era Noel la mente dei due Gallagher, quello che con pochi accordi era capace di metter su un istant – classic clamoroso mettendo d’accordo tutti. La vera magia degli Oasis è durata due dischi, e poi ci sono state solo un mucchio di bellissime canzoni sparse qua e là; ma mai un album che eguagliasse i primi due.

L’esordio di Noel è forse quel disco che mancava da tempo nella discografia del gruppo di Manchester: dieci solidi episodi che non solo non danno un segno di cedimento, ma formano una sorta di summa del Pop britannico, quello che va dai Beatles ai Kinks, passa per gli Smiths e arriva nelle mani di Noel, che oggi rinasce e si riconferma esponente di punta del suddetto genere.

Seconda posizione occupata dalla musica di casa nostra.
Un disco puramente Emo, il secondo dei Gazebo Penguins, dove la lingua italiana gioca un ruolo fondamentale, vista l’elevata qualità dei testi qui presenti: non solo ben scritti, ma anche di rara intensità. Amore, rabbia, e soprattutto tante piccole cose, minuzie che vengono narrate attraverso una musica urlata e da urlare, che suscita un istantaneo pogo gioioso e selvaggio in chi la ascolta.

La sua breve durata non è che uno dei mille pretesti per spararselo almeno un paio di volte al giorno, in casa propria, in cuffia, in macchina. E poi d’improvviso ci si ritrova a cantare della perdita del tram delle sei, o di quella di un amore. Insieme ad un po’ d’ilarità.

Ascolta Il Tram Delle 6

Non potevano esserci che loro. Anzi: a dirla tutta non poteva esserci che Lui. L’amore sconfinato per Greg Dulli mi porta a mettere l’ultima fatica dei suoi Twilight Singers in testa alla mia classifica, come a significare che quando c’è il sempre più pingue Greg di mezzo, c’è davvero poco che tenga.

Senza dubbio, il loro miglior disco assieme a “Blackberry Belle”. E dato per assodato che quest’ultimo sia un capolavoro, senza sbilanciarmi troppo direi che anche “Dynamite Steps” si avvicina parecchio a tale concetto, racchiudendo in sé tutta la poetica dulliana: un’orgia di chitarre lacrimanti, di ritornelli che aprono il cuore, una voce che dagli Afghan Whigs in poi non ha mai smesso di toccare ogni tasto dell’animo umano. Perfetto per questo momento, per questo anno.

“Hatchback” cavalca l’onda ambient e lo fa con la giusta grazia, pur senza incidere particolarmente. Sei morbidissimi ed eterei episodi di musica elettronica d’ambiente che predispongono l’animo al relax assoluto.

Sufficienza stiracchiata per un disco che finisce un po’ troppo per autocompiacersi in soluzioni da “pilota automatico”.

Più che un concept, un vero e proprio romanzo in musica, che racconta la tormentata storia d’amore tra una commessa e un meccanico. Un intento “alto” e perfettamente riuscito; ballate folk, piccoli intermezzi acustici e una profondità stilistica notevole che alterna voce maschile e femminile con naturalezza,capace di regalare un album di grande spessore e coerenza.

Profondamente radicati nella cultura folk americana, i brani sfilano via tra malinconie ed episodi, pochi a dire il vero, più furiosi e propriamente rock. Gran disco che non sbaglia una nota. Complimenti ai Richmond Fontaine.

Non fatevi ingannare dai nomi altisonanti dei “similar artists”, sono semplicemente coloro a cui i parigini Underground Railroad vorrebbero somigliare. “White Night Stand” ha come proprio limite la frammentarietà dei riferimenti, che partono dal grunge, per passare per la new wave, finendo dalle parti dei Radiohead.

Per non farsi mancare nulla, ci mettono dentro anche qualche spruzzata di Sonic Youth. Semplicemente troppo e semplicemente troppi i quasi cinquantadue minuti di durata per un disco solo poco più che mediocre

Sufficienza piena per l’ultima fatica dei danesi Figurines, in giro da quasi una decade, senza però riscuotere quel grande successo che molte band simili hanno ottenuto negli scorsi anni.

Non sarà certo questo lavoro omonimo a far decollare la loro carriera, ma accontenterà quanti non si sono stancati dei clichè che l’indie-rock dell’ultimo decennio ha tirato fuori. Tra invenzioni in stile Arcade Fire e qualche episodio più affilato, le undici tracce ci riconsegnano una band in ottima forma, anche se fuori tempo massimo per le dure leggi dell’hype.

Troppo lungo il titolo del nuovo disco dei True Widow per scriverlo integralmente senza stravolgere la formattazione dell’articolo. A parte questo vezzo inutile, l’album fila via molto bene, inchiodato a stilemi di un cupo slow core, mellifluo e acido al punto giusto.

Si scivola tra l’attitudine pop trasversale dei Galaxie 500 e l’ombrosa lentezza delle soluzioni à la Low e affini. Persi da qualche parte, tra lenta malinconia e notte senza fine. Bello.

Il tocco soffuso di lente ballate alcoliche incorniciate in paesaggi notturni e bucolici. La musica di Christine Owman è dichiaratamente ispirata a Tom Waits e al Nick Cave meno rock, riuscendo ad avere anche una discreta personalità.

Un disco tortuoso e allo stesso tempo fruibile, elegante ma non sovrastrutturato. Una piacevole scoperta.

È un disco dei R.E.M.: marchio di fabbrica riconoscibilissimo. Non rivoluzionario, non aggiunge alcun quid pluris a questo gruppo. Con tutta evidenza si tratta di una mia debolezza.$

Cedo ad un bieco sentimentalismo e ammetto a testa bassa che questa decima posizione è il mio tributo (fortunatamente non cantato) a questo gruppo.

È un disco di grande spessore qualitativo e compositivo in cui voce e chitarra si accompagnano perfettamente.

Immancabile blues. Fluido, orecchiabile, canticchiabile e ovvio, furbesco.

“El Camino” non si nasconde, è subito chiaro fin dal singolo “Lonely Boy”: ritornello loop e video strepitoso.

È un lavoro coraggioso e corposo che mi ha accompagnato per tutto il 2011. Difficile commentare tutti i brani: alcuni bellissimi altri meno.

Non riesco ancora a comprendere le ragioni del doppio album: una sintesi di questo lavoro, forse, avrebbe dato vita al capolavoro dei Verdena. Detto ciò, Wow mi piace davvero tanto. Ah dimenticavo, sempre più bravi dal vivo!

“The Whole Love” prosegue sul sentiero intrapreso con “Sky Blue Sky”: né uggioso né insignificante.

Gli arrangiamenti colorano di notevoli sfumature anche i pezzi più immediati e lineari. Trasporto e dolce passione.

C’è sempre la classe degli Elbow.

Sincero e forse a volte un po’ troppo misurato.

Altamente malinconico in un folk essenziale e profondo.

È Ryan Adams.

Con “The Deep Field” riemergono dopo una lunga apnea emozioni trascurate.

Traccia bellissima: “Forever And A Year”, affascinante perdizione.

Feist ha trovato la sua giusta dimensione con quest’ultimo lavoro. C’è qualcosa che va oltre la musica, con rapida frequenza si susseguono fotogrammi: “Metals” è sentire ed immaginare.

È un disco che mi ha reso felice. Il 2011 è stato un anno di buoni dischi ma scarno di eccellenze, salvo eccezioni: “Let England shake”, per esempio. Capita di crescere con la musica e poter scoprire a distanza di anni che quell’artista di sempre riesce a sorprenderti ancora, è pura e semplice felicità. Basta lasciare spazio alle sue canzoni: risolutive e confortanti.

Alison Mosshard e Jamie Hince si riuniscono nel loro garage immaginario e ritorna la magia. Nell’anno del definitivo scioglimento dei White Stripes si può dire che il genere minimalista vive ancora negli scantinati di Londra. Un album che sorprendentemente rivela inflessioni blues, dance, gospel e gotiche, pur mantenendo una sana matrice punk.

E noi, deboli come siamo, ci ricaschiamo ed un posticino nella classifica glielo riserviamo ancora. Non ce ne voglia PJ Harvey…
Scantinabile.

Dadaista, sperimentale, afro, Low-Fi. Ecco come definiremmo questo album di Merril Garbus dal New England, USA, al secolo tUnE-yArDs. Malgrado sia stata un tantino pompata dalla stampa compiacente (Pitchfork), l’artista non manca di stupire con la sua forma musicale multicolore, non inquadrabile in alcun genere ben definito, una sorta di cut’n paste multimediale.

E ci sorprendiamo a canticchiare la voce poco femminile dell’artista sotto la doccia…
Copia e incollabile.

Ma che strano questo folk-pop dei Decemberists. Così western, così country e così pop! Uscito a gennaio 2011 resiste un intero anno agli assalti degli altri album e resiste tra le migliori cose ascoltate quest’anno.

Malinconico quanto basta, si trascina un senso di autunnalità trans-stagionale, intriso di Neil Young e R.E.M., qui presenti con Peter Buck nella traccia “Down By The Water”. Insomma un disco per tutte le stagioni (ed i palati).
Svernabile.

Lo sappiamo, questo disco meriterebbe di più. Abbiamo dovuto mettere da parte i facili entusiasmi e valutare l’opera con la testa e non con lo stomaco.

La bella Leslie Feist, canadese di Amhearst, al quinto esercizio discografico raggiunge decisamente il suo apice, non lasciando nulla al caso. L’album è struggente ed introverso quanto basta, ti porta a riflettere e ad esprimerti in libertà. E’ ermeneutico ed espressivo. Ma alla fine risulta un pò lento e, tendenzialmente, migliorabile. Forse l’imperfezione lo rende affascinante.
Metallizzabile.

Quanta energia sprigiona questo disco della band di Brighton, Inghilterra? Difficile a dirsi, ma ascoltando questo “Rolling Blackout” più che le scogliere inglesi vengono in mente i saliscendi delle strade di San Francisco visti in enne film e telefilm polizieschi. Un inseguimento senza termine, fino al Vanishing Point, punto di scomparsa, che rappresenta l’ultima nota dell’album.

Nulla è cambiato nella formula electro funk pop dei Go!Team rispetto alle precedenti produzioni. Ma, accidenti, quanta positività ti infonde un disco del genere!
Inseguibile.

Di tanto in tanto anche il Galles ci sorprende con delle band interessanti. E’ il caso dei Joy Formidable e della sua potente cantante Ritzy Brian. Un album che sa di My Bloody Valentine, Bloc Party ed ammicca alla scena canadese degli Arcade Fire.

Davvero troppo Shoegazer per essere vero e poco elegante per essere immacolato. Ma infine affascina e piace senza troppe sottigliezze. Le stesse che la vocalist non usa per imporre il suo cantato su una texture plurima di chitarre, rigorosamente suonate guardando le scarpe sulle pedaliere.
Smussabile.

Dal Nord di Londra direttamente ai nostri riproduttori musicali. Un nome originale, un sound convincente ed il successo è arrivato quasi da solo. Per la conferma però occorre mettere sul piatto una puntata maggiore, quella rarità di nome talento. Ai nostri questo non fa difetto e si sente.

Un album di canzoni scanzonate, di ritmi aritmici, di suoni mai frastuoni. Ad ogni giro si aggiunge qualcosa, un sapore o un’emozione, quasi a consolidare la corteccia delle nostre convinzioni. Un album davvero simpatico.
Simpatizzabile.

Come sarebbe a dire chi sono questi?? Non conoscete Walter Schreifels, leader storico della scena Hardcore newyorkese, ex Gorilla Biscuits e Quicksand? Beh allora vi siete persi qualcosa, nella sua reincarnazione post-rock. Se già il primo album dei RS aveva colpito, con questo siamo affondati.

Senza accorgercene ha soddisfatto appieno la nostra voglia di rock_and_roll, così assopiti com’eravamo a gustare sound multicolori e plurielettronici. Poi, guardando il contatore degli ascolti abbiamo scoperto che i Rival Schools quest’anno avevano vinto per distacco. Troppo semplice per essere disco dell’anno, ma ci è mancato pochissimo. E la lingua batte dove il rock …rolla!
Riascoltabile.

Chiamatelo il disco della maturità artistica oppure il disco della svolta. Per noi è il migliore del 2011. Faris “Rotter” Badwan e soci hanno concepito un album che traghetta la musica indie inglese dai Joy Division a Echo And The Bunnymen, ammiccando a Julian Cope ed i Verve.

Il tutto splendidamente contemporaneo. Meno ruvido di “Strange House”, l’esordio. Ma più ricercato di “Primary Colours” l’ottimo secondo album. 10 brani sospesi in un limbo sonoro che ti cattura e gentilmente stordisce, fino a lasciarti esanime sul divano, magari osservando una lava-lamp fino a stare male. E come bolle di cera calda i vostri pensieri volteggeranno nel liquido amniotico della malinconia, fino a raffreddarsi e tornare sulla terra.
Lisergibile.

Ipnotico e inquieto.Nella musica di Andy Stott c’è l’Africa, la danza tribale offuscata dalla battuta lenta e riverberata ( 100-130 bpm di sospensione magmatica). C’è l’ombra nera del cuore sulla mente e il respiro della terra.

Un album denso e calibrato, tra algidità postmoderna e pathos classico. Forse un po’ incompiuto e solipsistico, il falsetto pitchato fino alla dissolvenza e
la sottrazione di nebulose sonore non dischiudono orizzonti felici.

Resta comunque un frutto del nostro tempo, volatile profondo e a tratti commovente

“Metals” ha un potere, rivela la natura alveare del pop nella sua forma piu’ schiva e rassicurante.
Feist ci ha regalato un classico forse senza saperlo.Disarmante per bellezza e sensualità.

Free jazz in stato di grazia, disperato deflagrante e necessario.

Un linguaggio catartico fatto di urla, nenie ed esorcismi provenienti da un  passato ancestrale

Annie Clark ragiona sulle forme del pop con personalità e coraggio. “Strange Mercy” è pieno di soluzioni ambiziose, ricerca e sperimentazione sono affidate ad una chitarra sublime. Non solo virtuosismo e appeal orchestrale ma una vera e prorpia fascinazione intellettuale

Un album di dub allucinato, strali di synth in liquefazione e narcotico torpore tra kraut new age e hippies floreali. A menzionare la parola acido partono gli oscillatori e lamentosi monosillabi in loop ipnagogico.

Un album verticale, che sta tra cielo e terra.

Il gruppo di Montreal si affida alle ripetizioni minimal, a gocce di piano che allagano gli occhi. Brillanti oltre l’impalpabilità (a volte fine a se stessa)della materia onirica.

Art-pop completamente fuori dagli schemi. Questi francesi divertono e si divertono ad abbattere i generi.

Destrutturazioni elettroniche e attitudine borderline, in ogni canzone ce ne sono almeno 10.
Geniali.

Abstract hip-hop deviato e oscuro.Spesso siamo di fronte a personalità ipertrofiche che vomitano in musica, qui il discorso è di sotanza. “Black up” attualizza l’imprinting  epocale dei ClouDDEAD sgretolando l’attenzione in continue stratificazioni oppiacee.

Non so quali siano gli arcani per cui un disco possa rendere felici ma “Arabian Horse” lo fa, in  modo potente e raffinato. Forse perchè c’e molto degli anni 90′, forse perchè la loro formula non puo’ prescindere da sensualità e maestria pop.

Ma soprattutto per  quella capacità immensa di delineare le coordinate della dance music sopraelevandosi dalle centrifughe da dancefloor per ergersi a messaggeri divini.

L’amarezza che si fa autocoscienza o viceversa. Nelle parole di unòrsominore c’è l’essere umano sconfitto, derubato annichilito. 

C’è la politica come habitus di solitudini irreversibili, l’accettazione di una cultura della sopravvivenza che si offre all’impoverimento. 
Un pensiero lucido e illuminato sulla  sostanza umana assente.

Buon pop-folk americano interamente autoprodotto, da una band che meriterebbe molta più visibilità. Marina Trejo e Randy Bishop incantano e deliziano l’ascoltatore.

Un album registrato in garage, interamente su supporto analogico, senza l’aiuto dei computer, può avere una nomination come Album dell’anno. (dal Twitter della band, in riferimento alle sei nomination per i Grammy).

L’organicità (finalmente), la coerenza (finalmente) e un sentito ritorno alle origini (ci voleva) sono stati ben ricompensati da critica e pubblico.

Treasures Nonostante i salti temporali percepibili da traccia a traccia, questa raccolta di “tesori nascosti” (ok, diciamo bijoux di alta fattura) che vacilla tra il debut “Frank” (luminoso e naive) e “Back to Black” (il titolo parla da sé) merita l’ascolto proprio perché mette insieme i due lati di Amy in un unico disco e ne mostra la sua immensa totalità e grandezza.

Infinitamente grata ai Black Lips che hanno saputo colmare il vuoto cosmico creatosi dentro di me dopo l’ascolto di “Angles” degli Strokes. Era il disco che ho atteso per cinque anni. Dalla band sbagliata… ma alla fine giusta.

Prodotto da un Mark Ronson che è riuscito a creare un giusto equilibrio tra il suo stile inconfondibile e la carica caotica e coinvolgente della band di Atlanta.

Ascolta Family Tree

Quello studio secondo il quale i fratelli maggiori sono più intelligenti rispetto ai minori sembra essere ulteriormente confermato da questo album. Quell’altra ricerca secondo cui le persone mancine mostrano grande sensibilità e spiccato senso artistico pure. Curiosi riscontri scientifici in ambito musicale…

il ricordo di Emma lascia spazio ad un personale mental-road trip in dieci tracce. È dolce viaggiare sulle note di Justin Vernon… (Anche se personalmente continuo a preferire “For Emma, Forever Ago”).

Fase uno: dare l’impressione di una gattina indifesa che non sa nemmeno cosa è andata a fare su quel palco. Fase due: spiazzare l’ascoltatore qualche secondo dopo aver schiarito la voce. Questa è Selah Sue.

Un disco completo e brillante dalla nostra cara Adele Adkins, che nonostante i ventitre anni di età mostra una grande maturazione artistica, percepibile già dai tempi del precedente lavoro,“19”, ma qui arricchita da una buona dose di malinconia da giovane donna che per renderlo meno vulnerabile ha impastato il suo cuore con le pietre.

T.S. Eliot dedicò “The Waste Land” a Ezra Pound prendendo in prestito da Dante la frase “Il miglior fabbro”. Io non sarò Eliot, ma Feist è sicuramente “il miglior fabbro” di questo 2011. Un album di dodici pezzi di metalli rari lavorati con fermezza, esperienza e una gestione dei propri sentimenti tale da riuscire a portarli a fusione per poi rimodellarli in puro suono.

Questo non è un disco da top 10, neanche per sbaglio. Ma io ce lo metto lo stesso: Frank Turner ha fatto tantissimo per me quest’anno. Lui c’è sempre, non si tira mai indietro. Con un sorriso e una chitarra, pronto ad abbracciarti e a ricordarti che, fondamentalmente, c’è una sola cosa da fare: vivere.

It doesn’t matter where you come from, it matters where you go. No one gets remembered in this listless life for the things they didn’t do.

La certezza e’ sempre quella: voler vivere in un disco dei Wilco. Stare al sicuro, coccolati dalla voce di Jeff Tweedy e abbandonarsi completamente a quelle chitarre. Niente potrebbe andare storto. E meno male che e’ anche ben lontano dall’essere il loro miglior disco.

I’ve been young, I’ve been old, I’ve been hurt and consoled, heart of coal and of gold so I’m told.

Ecco, ci vuole un po’ per riuscire a capirlo e ad amarlo, questo disco. Poi pero’ arriva il momento in cui ti rendi conto di essere riuscito a decifrarlo e a esplorare tutte le direzioni che riesce a prendere e in quell’esatto momento ti rendi conto anche di esserne profondamente dipendente.

Keep me up, keep me down, keep my feet on the ground. Love, love, love, love, it’s just a song

Ritrovarsi a cantare “Lonely Boy”, così, dal nulla. I Black Keys stanno qui per il semplice fatto che il disco è uscito da poco, se no, probabilmente, starebbero sul podio. Non c’è un solo secondo sbagliato in tutto il disco. Crea dipendenza. Che bella invenzione il rock’n’roll.

Oh oh oh I got a love that keeps me waiting.

Il disco che ha aperto l’anno e a cui, a intervalli di tempo più o meno regolari, sono sempre tornata. Il disco più semplice che i Decemberists abbiano mai pubblicato. E poi c’è quella canzone lì. Per te, per te e per te.

This is why, this is why we fight, why we lie awake. This is why, this is why we fight and when we die, we will die with our arms unbound.

Ah, quella bellissima sensazione che è l’innamorarsi di un disco e non poterne più fare a meno. Ascoltarlo a ripetizione ovunque e in qualsiasi momento. Forse niente di speciale, sicuramente niente di nuovo. Ma è amore vero, quel tipo di amore per cui la canzone preferita cambia a ogni ascolto. E poi, quanta verità.

What do I have to do to get you where I want you?

Ascolta Inhaler

Il classico gruppo di cui ho sempre e solo conosciuto i singoli e mai gli album interi. Quest’anno si cambia: complici anche tre live in tre mesi, i Foo Fighters sono stati parte fondamentale dell’anno. Ascolto “Wasting Light” immaginando il sorriso di chi, questo disco, lo avrebbe amato molto.

One of these days the clocks will stop and time won’t mean a thing.

Penso che il primo minuto e mezzo del disco dica tutto. La bellezza, quella vera. La delicata incertezza nei testi e nella voce. Un concept album di dieci canzoni che si incastrano perfettamente tra loro. Una band che purtroppo non ha l’attenzione che si merita, ma arriverà il giorno in cui tutti si renderanno conto di cosa si stanno perdendo. Non vedo l’ora.

What if we’ve been trying to get to where we’ve always been? Simple math, believe me all is brilliant.

Da una parte vorrei iniziare a scrivere e non smettere più, dall’altra vorrei non dire assolutamente niente. Perché, alla fine, cosa si può dire? Si è addirittura permesso di lasciar fuori dal disco una perla come “Alone On The Rope”. Io ascolto, ascolto, ascolto, ascolto e ascolto altre mille volte. E ringrazio.

Cos you’re the only god that I will ever need.

l’italo tedesco Mathias “Munk” Modica (anche membro fondatore della label Gomma) al terzo album porta la propria musica oltre la spacconeria nu-disco e la dimensione dei club per abbandonarsi a un viaggio ora nostalgico ora beffardo in trent’anni di musica e cultura dance, mixati con un gusto definito, appassionato, attento e perfettamente attuale.
Irresistibile.

Il percorso di Barry Lynn e del suo alias Boxcutter si è sviluppato coerente dal dubstep primordiale dell’esordio “Oneiric”, tramite il terzomondismo idm di “Gliphic” e le avvisaglie funk-step di “Arecibo Message”, fino al nuovo “The Dissolve” che spinge il talento sonico del produttore nordilandese ad affondare le mani tra psichedelia kraut, sensualità black, inaspettate bombe techno e il solito amore per i bassoni.
Ipnotico.

Tyler, leader e mente della giovane crew Odd Future Wolf Gang, si confessa al microfono come se fosse di fronte all’analista, sopra un tappeto autogestito di rumor bianco, paranoia funk e levigato hip-hop.

Già al secondo disco (il primo edito tramite i canali ufficiale del mercato discografico) l’appena ventenne losangelino sforna un imponente lavoro che si prospetta come spartiacque per il genere tutto.
Swag.

Sangue ecuadoregno, trascorsi hip-hop, una passione per le potenzialità dell’arte multimediale e New York come base operativa: questo il magico mondo di Helado Negro (Roberto Carlos Lange), che al secondo disco ibrida sapientemente i suoni delle proprie tradizioni e origini con lisergiche intuizione elettroniche e magnifico pop antigravitazionale.
Caleidoscopico

Big-beat 2.0: se volevate una definizione svelta per il debutto discografico dell’acclamato dj inglese Benji Boko, eccola lì. Ma dietro le classificazioni c’è molto di più: non è semplice nostalgia, ma perfetta attualizzazione di un’elettronica contaminata e varia, coraggiosa e colorata, lontana dal minimalismo e dall’isolamento settoriale. Un’esplosione di ritmi e suoni.
Pirotec(h)nico.

Quattro dischi e non sbagliare mai: in poche parole la carriera fin qui dei newyorchesi Tv On The Radio, poi si può aggiungere che questi quattro album sono tutti bellissimi, diversi eppure riconoscibilissimi.

E “Nine Types of Light” non fa differenza: questa volta il materiale è pop, limpido e delicato, ma l’attitudine, il gusto e la sperimentazione sono quelle solite, capaci di unire Africa e shoegaze, soul e CBGB.
Immaginifico

Ascolta Second Song

Dopo ben sei anni e uno scioglimento che si pensava definitivo (vedi le rispettose carriere soliste di Lou ed Andy) tornano i Lamb con un album essenziale sin dal titolo; non aspettatevi incursioni dubstep (anche se le massicce distorsioni di “She walks” sono un ottimo tentativo) né svolte rivoluzionarie, il duo mancuniano continua a fare ciò che gli riesce meglio: magnifiche canzoni elettroniche in cui la voce sempre più matura (e già era devastante prima) di Lou Rhodes duetta con le grandiose architetture trip-hop di Andy Barlow.
Commovente.

Due ep (tredici brani per settanta minuti di musica) per uno dei producer techno-dub più talentuosi e schivi del decennio appena trascorso: lontano dalle algide geometrie del passato, ora il discorso di Andy Stott si divide equamente tra spirito nerissimo e metafisiche dilatazioni soniche, tra ricordi soul e personalissima visione post-step.
Profondissimo.

La band di rivoluzionari tuareg continua a preferire le chitarre ai kalashnikov, anche se questa volta stacca la corrente elettrica e, con un manipolo di importanti featuring (su tutti Tunde Adebimpe), realizza il proprio album più tradizionale e intenso: psichedelia intima e folk desertico si uniscono in una ricetta austera e povera, ma terribilmente sincera e potente.
Ancestrale.

Blu è un genio e insieme un provocatore. Questo disco avrebbe dovuto essere il suo esordio con una major (la Warner), ma, poiché l’etichetta si mostrava titubante, Blu ha tagliato corto: “N O Y O R K .” è uscito in free-download con un leak alquanto sospetto a pochi giorni dalla data ufficiale.

Insomma: Warner, vaffanculo. Ma oltre la ribellione commerciale e l’astuta promozione c’è un disco che spacca i culi. Accompagnato da numerosi featuring e da un manipolo di produttori (Madlib e Flying Lotus per dirne due) Blu ha sfornato un fottuto capolavoro nel quale è impossibile distinguere tra soul, hip-hop e dubstep/wonky perché è tutto troppo splendido.
Enorme.

Bowie, The Jesus and Mary Chain, Joy Division, post-punk, noise, garage e new wave. Per il labelling dei Crystal Stils non ci si è fatti mancare niente, scomodando alcuni tra i nomi più importanti degli ultimi 40 anni di storia musicale. E’ vero In Love with Oblivion è comodamente piazzato su memory lane ma riesce, nonostante tutto, ad essere credibile. Tra il plagio e l’ispirazione la differenza è spesso labile ma la qualità è anche questione di misura e i Crystal Stilts sembrano esserne consapevoli.

La scatola dei ricordi si riempie della vocalità tetra e sensuale di Brad Hargett e quando si suonano brani come “Through the Floor” è come se Ziggy Stardust facesse il paio con Ian Curtis. Se non pensate sia blasfemo, non potrete che trovarlo interessante.

Per chi scrive un pastone soul-rock-indie-blues suona più come un cattivo presagio che come un’invito all’ascolto ma “The Deep Field” è album del miracolo. Ai margini di questa classifica solo per trivialità soggettive e preferenze di gusto è un insieme che riconcilia anche con sonorità che si tenta –a tratti- di schivare.

Capitolata sulla meravigliosa “The Magic” riconosco all’ultimo lavoro della musicista americana la qualità del magnetismo. Terribilmente ben calibrato, consistente e allo stempo morbido e coinvolgente, fedele all’anima soul che dà corpo a tutti i brani. “The Deep Field” è una traduzione in musica della carismatica sensualità di Joan Wasser. Disintegrata la sterotipata declinazione femminile fatta di fiocchi rosa e pom-pons prova che la musica ha il potere di sedurre.

Gruff Rhys ha l’aria rassicurante di un uomo d’altri tempi. Forse anche una voce d’altri tempi. E ottimi testi d’altri tempi. Di buono c’è che suona in questo tempo e che tutti possiamo goderne. “Hotel Shampoo” è un disco solido, ben eseguito, con pezzi più o meno orecchiabili (“Shark Ridden Waters”) e ballate commoventi (“If we were Words we would Rhyme”).

I pezzi di Rhys ci riportano sul pianeta terra, sono fondamenta sule quali poggiare i nostri piedi di ascoltatori persi nel mondo di sonorità rarefatte ed eteree. Verrebbe quasi voglia che il cantautore gallese fosse il nostro migliore amico. “Wishful thinking”. Intanto ascoltiamo “Hotel Shapoo”. E per chi l’avesse sottovalutato la buona notizia è che non è mai tardi per recuperare.

Joseph Mount indossa completi estivi mentre canta “The Bay” in riva al mare guardandoci col suo occhio ceruleo senza poter vantare l’appeal di un consumato Tellier. Eppure c’è una certa disinvoltura in “The English Riviera”. La disinvoltura di chi ci consegna un prodotto confezionato ad arte per esasperare la nostra voglia di divertimento senza snobismi.

Con quel falsetto che ci ricorda un po’ Alexis Taylor un po’ Jeremy Greenspan i Metronomy sguazzano tra i synth restando sempre assolutamente pop. Se nel 2011 l’electropop non riesce a smarcarsi da una certa dose di ‘costruzione’ dell’imagine e del suono, in questo caso pare ostentata quanto basta perché non sia fraudolenta. Cuz’ this isn’t Paris, this isn’t London and it’s not Berlin and it’s not Hong Kong, not Tokyo canta Mount. Infatti è il Devon. Perché sono tanti i momenti in un anno in cui abbiamo bisogno di piaceri effimeri come il giro di basso di “Corinne” e “The Look”. Non si vive di soli crooner.

Il film èl’ibridazione gallese tra il Max Fisher di “Rushmore” ed il “Marcus” di Nick Hornby. La sua colonna sonora non fa eccezione al gioco di citazioni. Alex Turner non è certo Ray Davies -tanto caro a Mothersbaugh e a Wes Andreson- eppure va molto vicino a Mr. Damon Gough e al copioso filone cantautorale capitanato da Lennon. Il depravato mix britannico di campagna e periferia industriale segna un altro punto in musica. Submarine è un tiny-record immacolato, forse troppo breve anche per un solo passo falso. Resta il fatto che se l’oltre-Arctic Monkeys fosse per Turner qualcosa di vagamente simile a questo, non rimpiangeremo mai le simpatiche “scimmie”.

Bisogna spogliarsi dei pregiudizi per accettare che lo stesso scalmanato frontman-ragazzino tiri fuori dal cilibro brani impeccabili come “Struck on the Puzzle” e “Piledriver Waltz” per colpirci al cuore con l’essenzialità di voce e chitarra, inondandoci di gioia nel giro di un cambio ritmico, di una frase che fa you look like you’ve been for breakfast at the heartbreak hotel. Potrebbe essere solo un episodio ma che importa, resta comunque un momento di perfezione.

Gli australiani ci hanno ormai abituato alla rocambolesca ripresa della dance ma I Cut Copy compiono con “Zonoscope” un passo avanti, aggiungendo consistenza ad un genere per definizione poco incline ad essere preso e a prendersi sul serio. “Zonoscope” è una summa dance, una pista da ballo affollata dove si affaccciano Bee Gees, Beach Boys, David Byrne e Pet Shop Boys, tutti insieme. Se l’immagine può lasciare spazio a lecite perplessità il risultato è invece ben riuscito.

Perché la forza dei Cut Copy è nella loro capacità di sintesi, di modellare con consapevolezza il mezzo musicale spaziando da accenti ipnotici (“Need you Know”) a toni talkinheadsiani, a temi dance di fine anni ’70 sempre preservando la qualità di un suono mai datato come nel magnifico crescendo di synth e cowbells di Pharaons and Pyramids. Senti una vocina nella tua testa che ti sussura di vivere i tuoi sogni? si chiede Dan Whitford in “Take me Over”. E poi si risponde Take me over and Take me out, to the jungle through the night in Paradise. Per chi sente le vocine nella testa e non solo.

Sono stufa delle incessanti polemiche sulla sua qualità del disco e forse anche un po’ stufa dei Radiohead. Una loro nuova fatica avrebbe dovuto svettare in cima alla classifica eppure non posso concedere tale lusso a “TKOL”. La qualità intrinseca delle sonorità della band merita un posto in classifica ma è un sorriso a mezza bocca quello che mi strappa l’ultimo parto del gruppo di Oxford.

“TKOL” non è straordinario eppure dopo la metabolizzazione riconfermo: è coerentemente un buon disco. Polemica o meno, la catarsi ipnotica lascia il tempo che trova ed in caso di nuove uscite a Thom Yorke non basterà più dimenarsi al suono della prossima “Lotus Flower”.

Ascolta Lotus Flower (SBTRKT RMX)

Visioni di paludi (“Swamp Magic”) di acque cupe (“Black Water”) e cacciatori solitari (“Lonesome Hunter”) in questo ultimo lavoro dei canadesi Timber Timbre. Un’immaginario quasi orrorifico tradotto in arrangiamenti rarefatti con accenti blues. Adatto a ripopolare di nuove visioni i nostri ascolti notturni “Creep on Creepin’ on” ci sembrerà forse un’illusione al sole di un nuovo giorno.

Ma le sue ramificazioni oscure avranno ormai scavato una traccia dentro di noi. Quella che suona nella nostra testa con la malinconica
grazia di un ritornello: “All I need is some sunshine”. Imperdibile.

Ascolta Woman

Pare che nel 2011 non si possa prescindere da Bon Iver. Pena l’essere messi alla gogna per poi essere calpestati con zeppe affilatissime. La verità è che non posso prescindere da Bon Iver perché questo, come già “For Emma”, è un ottimo disco.

Album denso (non melenso), ispirato ed evocativo di un musicista che ha ancora molto da dire. Inversione di rotta per chi attendeva il secondo volume de “la maledizione del cantautore intimista”, suona troppo bene perché lo si possa ignorare. E’ l’album che teniamo sotto il cuscino,per non separarcene mai, anche quando sembriamo dimenticarcene. BUon Iver.

Misurata, sofisticata e sempre impeccabile. Viva Polly Jean tra le elette, tra quante sgomitano da anni per guadagnare un posto sull’altare dei mostri sacri tra signori uomini. “Let England Shake” è l’ennesima conferma della classe, dell’eleganza e della qualità musicale che fanno di PJ Harvey l’indiscutibile Signora della musica contemporanea.

Andare avanti per tornare alle radici (“The last living Rose” col suo titolo d’ispirazione quasi romantica e la ripresa melodica di una ballata), sperimentare essendo consapevoli della tradizione (“In the Dark Places” coi suoi accenti folk) ed in tutto questo assumere la contemporaneità e la brutalità della guerra (“Let England Shake”) come tema di un disco che comunica con l’ascoltatore plasmando testi e accordi in soluzioni mai scontate. PJ Harvey si fa tramite tra passato e futuro mentre legge ed interpreta il presente. Fedele a se stessa, al suo genio e al suo pubblico.

Di Tyler e della sua crew OFWGKTA si è detto di tutto e di più. Debutto su etichetta XL Recordings, iperatteso, già il singolo “Yonkers”, con il relativo video, è tutto un programma.

Che sia arrivato il nuovo Wu-Tang?

Lui è il bad boy della Ed Banger, l’etichetta (con la Kitsunè) simbolo dell’elettronica francese più cool e hype.

Libero di fare quello che gli pare, “TotAl” si muove in mille direzioni e riepilogo del sound ma nello stesso tempo ricostruzione di uno stile che oggi più che mai rifugge il nozionismo e pretende fantasia.

Questo disco è più o meno una cosa per cui gli ultimi Air sarebbero anche disposti ad uccidere tale è il livello di eccellenza sonora raggiunto da questi sofisticatissimi trentasei minuti di musica. (cit. dalla recensione di Accento Svedese)

Avanguardia, contaminazione, elettronica, funk, atmosfera anni ’80.In una parola stile-stile-stile a profusione. La conferma di quanto di buono il 24enne californiano aveva prodotto in passato. Aspettiamo con ansia il terzo disco.

Dal 1996 costui avrà ampliato la sua collezione di dischi in maniera indegna (tanta invidia). Passione per la musica e sapienza tecnica, conoscenza della materia trattata e amore per l’analogico. Dal 1996, oltre ad ampliare la sua collezione, non sbaglia un colpo.

Ebrei newyorkesi provenienti dal punk rock, i primi bianchi rispettati nel rap game dominato da neri, sempre diversi ad ogni nuovo disco.

MCA, AD Rock, Mike D. C’è bisogno d’altro?

A mio modo di vedere lei ha una voce totale, potrebbe cantare qualunque cosa.

Pop di qualità, diventato mainstream perché il contrario sarebbe stato un vero e proprio crimine.

Non credo ci sia bisogno di dare informazioni su di lui, ne’ su questo disco. Tante le parole spese per magnificare l’esordio di un ragazzo poco più che 20enne che ha cambiato il volto della dubstep.

Top 3 assicurata già dal giorno della sua uscita.

Il trip hop e la dubstep, la techno e la club culture. Voce penetrante e atmosfere noir; “intrigante e oscuro, fumoso e denso, con il suono giusto che esalta il soul della sua voce, che ti catapulta in una dimensione dove tutto attorno è noir e il minimalismo non ha più spazio”. Ninja Tune, ti voglio bene.

Io mi approccio ai dischi in maniera negativa, soprattutto quando si tratta di collaborazioni di artisti che sono agli antipodi. Ma questo disco è il testamento di una delle persone che più ha segnato la storia della cultura nera americana negli anni ’70.

La sua voce prepotentemente impregnata di blues e di sofferenza, unita al gusto elettronico e alle ritmiche di Jamie XX, di fama The XX. IL disco dell’anno esattamente dal primo ascolto.

Un’ascesa repentina quella di Merrill, anche grazie alla complicità di Pitchfork che con costanza da mesi la spiattella in home page innalzandola a salvatrice della musica contemporanea. Un giudizio enfatico che a distanza di mesi dal lancio del disco si sta tuttavia rivelando sensato: “W H O K I L L” è il tipico album che si fa apprezzare al primo approccio, magari non nella sua totalità, magari altalenando grandi momenti musicali a brani di minore impatto, per crescere nei mesi a venire e confermarsi definitivamente come uno dei dischi che rimarrà di questo 2011.
(Marco D’Alessandro)

“Kiss Each Other Clean” è disco ambizioso che non colpisce nel centro il bersaglio prefissatosi, alcune scelte appaiono fuori fuoco eppure è sempre un piacere ascoltare quanto uscito dalla penna di Sam Beam.
(Gianluca Ciucci)

…quando “Arabian Horse” finisce vorresti subito che ricominciasse da solo senza nemmeno dover fare la fatica di premere il tasto play, perché un disco come del genere è di una bellezza capace di prosciugarti dentro lasciandoti senza forze ed incapace anche solo di premere un semplice tasto.

Lo ascolti ed intorno a te c’è solo quello e nient’altro, ti senti nudo ed indifeso al suo cospetto, non osi fiatare perché hai paura di rovinarne la magia, vorresti ballare ma resti fermo perché è la tua mente che balla e se ne va lontano da qui, lontano dal tempo e da te.
È un disco dance ma è anche tante altre cose.

(Federico “Accento Svedese”)

A conti fatti, “Watch The Throne” è sicuramente da avere, un must per gli appassionati, visto che al contrario di altri progetti simili due pesi massimi insieme sulla lunga distanza non sfigurano. In più ci sono degli spunti davvero validi, e alcune tracce davvero ottime.

Non il classico che magari era lecito aspettarsi, ma sicuramente un acquisto di cui non pentirsi. Probabilmente, il miglior disco di quest’autunno.
(Mirko “Mik” Jacono)

“Within and Without” è un mondo in fiamme in cui si ha ancora la voglia di ballare. Di tuffarsi dietro la resina scura di vecchi WayFarer e lasciarsi andare alla nostalgia. È quel modo di guardare alle cose abbandonandosi alle sfumature.

“Within and Without” è l’inizio dell’estate. L’odore del mare che senti addosso. “Within and Without” è un disco grandioso.
(Angelo Murtas)

Alla fin dei giochi, chi conta veramente è Lui: un artista e uomo tanto ingombrante quanto simpatico; con una genialità che va di pari passo con la sua cazzonaggine.

Le sue schitarrate, la sua voce in bilico tra il bisbiglio e il lamento, infinitamente umana ed emozionante, la sua semplicità nell’essere sempre uguale a sé stesso e di conseguenza sempre unico.
(Marco Renzi)

Ascolta Not Enough

Ennesima botta, certamente meno irruenta, ma destinata a crescere nel tempo, la quarta fatica dei Tv On The Radio conferma il progetto guidato da Dave Sitek come un vero faro del music-biz contemporaneo.

(se poi avete la fortuna di procurarvi la versione deluxe dell’album ci troverete pure il magnifico gospel “All Fals Down”, perla che vale ogni centesimo speso in più)
(Nicolò “Ghemison” Arpinati)

Ascolta Second Song

Uno di quei dischi che ti sorprendono perché non te lo saresti mai aspettato così fresco e coinvolgente, denso e con una varietà di soluzioni stilistiche che altri gruppi ben più celebrati manco si sognano.

Fondamentalmente è un disco conservatore che suona rock nel senso più classico del termine, ma che recupera cose già fatte in passato per rielaborarle in un modo assolutamente personale e peculiare: in poche parole, un disco che lo ascolti dall’inizio alla fine e ti rendi conto che – anche se ne parla perfino Vanity Fair – probabilmente qui da noi non verrà apprezzato e capito a dovere, e tutto perché quando si parla di The Kills si pensa subito a Kate Moss e non ad ascoltare con attenzione la loro musica.
(Federico “Accento Svedese”)

Ascolta Blood Pressures

Le litanie claustrofobiche ora si aprono alla luce dell’appetibilità come belve addomesticate, se in passato eravamo in piena apocalisse ora possiamo dire di averla superata grazie ad una virata di eterea malinconia, un appeal che fa molto 90’s e le allucinazioni di Lady Gaga.
(Simona Vallorani)

Ascolta Seekir

Capolavoro, probabilmente all’altezza delle cose migliori della lunghissima, fin troppo, produzione del Nostro. Molti forse non ci troveranno niente di così particolare in un disco di ballate follk. Per tutti gli amanti di certe soluzioni invece c’è solo un sentimento di pura gioia nell’affondare le proprie sensazioni in “Ashes &Fire”.

Il Ryan Adams che cercavamo da tempo. L’abbiamo ritrovato, speriamo possa durare.
(Enrico “Sachiel” Amendola )

Amato, odiato, criticato, tutto và bene purché se ne parli di questo mostro, idra a più teste e infiniti cervelli che familiarmente (e per brevità) è stato soprannominato “LouTallica”. Un esperimento d’ingegneria genetica dagli esiti imprevisti e imprevedibili, che comunque ha la forza di camminare con le proprie gambe. Quando la polvere della battaglia si sarà posata e passata molta acqua sotto i ponti vedremo come verrà considerato.

Lo rivaluteranno tra qualche anno, come è già successo a ben più illustri predecessori ? Forse, mai dire mai…
(Valentina Natale)

…Non mancano i passi falsi, come l’indugiare elettronico di “Searching for Heaven”, che si disperde risultando parecchio insipida. Alla fine dei conti però, è doveroso riconoscere che i the Drums si sono dimostrati in grado di maturare, superando degnamente il grande ostacolo del sophomore album. Ebbravi.
(Fabiana “Electra” Giovanetti)

Ascolta How It Ended

Nessuna delle classifiche di fino anno riporta questo album, mi prendo la briga di farlo io allora (oasisiano doc). Un disco alla Noel Gallagher. Non più il solito rock’n'roll che ruotava attorno alla corde vocali del fratellaccio Liam, ma un disco da cantautore maturo.
Noel riparte dai suoni kinksiani e vi aggiunge un tono epico (degno del grande Ennio Morricone l’intro di “Everybody on the run”). Un bel disco che conferma l’ottima vena compositiva della ex mente del gruppo di fratelli ‘burrascosi’ più noti al mondo!
(Marco “Fratta” Frattaruolo)

Quello studio secondo il quale i fratelli maggiori sono più intelligenti rispetto ai minori sembra essere ulteriormente confermato da
questo album. Quell’altra ricerca secondo cui le persone mancine mostrano grande sensibilità e spiccato senso artistico pure. Curiosi riscontri scientifici in ambito musicale…
(Maria “berenix” Bonì )

…si spazia dal ripescaggio delle consuete atmosfere folk di “Unrequited Love” a quelle più movimentate e tribali di “Get Some”, dai momenti più pop-oriented di “Youth Knows No Pain” e di “Rich Kids Blues” alle rarefazioni di “I Know Places” (fare caso in quest’ultima alla bella coda di Sigur Rossiana memoria, già tema del virale “Untitled”), dal twee un po’ banalotto di “Sadness Is A Blessing” alla chiusura molto à la Bat For Lashes di “Silent My Song”, tra fiati e percussioni. Risaltano infine i ritornelli killer di “I Follw River” e “Jerome”, capaci d’innalzare la svedese a diva pop per indie-kids.

Un gradito ritorno, ben confezionato per evadere dagli ambienti meno mainstream delle classifiche.
(Marco D’Alessandro)

Ascolta I Follow Rivers (The Lost Sessions)

Un giorno mi è bastato ascoltare “The Beast”, brano conclusivo di questo esordio discografico degli Austra, capitanati dalla bellissima voce di Katie Stelmanis per rimanerne folgorato.

Un disco a metà strada tra Zola Jesus e i The Knife. Un disco molto bello. Imperiosi.
(Luigi “dj elleffe” Formica)

Ascolta The Beat And The Pulse

Messo a segno l’ennesimo colpo vincente, sul talento cristallino di Bradford Cox ci si può ormai scommettere. E quando un giorno la memoria collettiva avrà finalmente assimilato e decodificato gli anni in cui viviamo, il suo nome sarà molto più che un semplice ricordo.

Un giorno, quando anche lui avrà abbandonato certe scappatoie forse ancora adolescenziali, di “Parallax” rimarranno le suggestioni e gli Atlas Sound, così come i Deerhunter, a quel punto, avranno fatto scuola.
(Angelo Murtas)

Ascolta Terra Incognita

Reinventarsi sapientemente ad ogni uscita non è cosa da tutti.

Gli stessi cedimenti del precedente “Volta” avevano fatto un po’ temere, ma mai ci si sarebbe aspettati un recupero così singolare, che va oltre la solita confezione altisonante per dare atto a una prova musicale apparentemente scarna e un po’ arrangiata, ma che si rivela dopo qualche ascolto come una delle migliori esperienze dell’artista islandese.
(Marco D’Alessandro)

Perché i veri sobborghi sono del New Jersey- dove invece dell’alzabandiera la mattina si recitano passi scelti dall’opera omnia di Philip Roth- con buona pace di Win Butler e della sua ascendenza texana. “Days” ha due chiavi di lettura: la prima coincide con la copertina (case a schiera, sole ovattato, ognuno tragga le sue conclusioni).

La seconda chiave di lettura risale invece al giorno in cui avete usato la bici senza rotelle per la prima volta mentre vostro padre rimaneva a guardarvi dall’altro lato della strada. La banalità, si sa, è una faccenda spietata.
(Claudia Durastanti)

Amplessi sul velluto.

Il terzo figliuolo delle Belve si fa largo seguendo i tremiti provocati da una lieve tensione erotica, alla ricerca di una misteriosa, intima passionalità.
(Luca “Dustman” Morello)

Il secondo capitolo di Dario Brunori ha colpito nel segno. Non solo perché dal precedente disco abbiamo un lavoro più maturo e completo, ma perché ogni canzone è un gioiello che brilla di luce propria.

Uno dei miei dischi preferiti di quest’anno. Ma anche uno dei dischi maggiormente osannati in questo 2011 nel panorama italiano. Da ascoltare assolutamente.
(Luigi “dj elleffe” Formica)

Negli otto frammenti dedicati a Kurt Cobain, Jim Carrol scrisse uno di quei versi destinati a essere riciclati nei momenti più insoliti: Pressure. That’s how diamonds are made. Ci hai ripensato quando hai ascoltato il nuovo disco dei Low, che è soffocante e ti trascina nel cuore lento
delle cose.

Poi si riscatta, poiché sembra che per loro la pressione- a differenza del cantante per cui quel verso è stato scritto- non sia l’unica alternativa ma una libera scelta. Conciliabile con la vita, e con il tuo privato modo di accettarla.
(Claudia Durastanti)

Ascolta Especially Me

Una commistione di generi, un mix d’influenze (Pavement, Sonic Youth, Dinosaur Jr, Pixies, Belle & Sebastian per citarne alcuni) che compendiano in un debutto promettente, anche se ancora acerbo. Non ci resta dunque che attendere cosa abbia ancora in serbo la nuova onomatopea del mondo musicale
(Fabiana “Electra” Giovanetti)

Ascolta Rubber

Capossela ci restituisce la conoscenza e la coscienza dell’essere sommersi: una vita sorge in mezzo al mare dove i momenti ridicoli quasi spariscono al cospetto della terra.

“Marinai, profeti e balene” ci riconduce all’amore per l’indistinto, per l’inafferrabile, e inevitabilmente, per il cantore di tali docili storielle. Qualcosa di simile a correre sommersi dal mare.
(Federico Pevera – SentireAscoltare)

La dinamite che manda in frantumi il 2011. Il duo di Akron spara a raffica i soliti proiettili garage-blues, ma questa volta il tutto suona più catchy.

Senza troppi giri di parole va data ragione a Michael Hann del Gurardian, Auerbach e Carney suonano come una band che pensa di aver fatto il miglior album rock dell’anno, forse perché è proprio ciò che hanno fatto.
(Marco “Fratta” Frattaruolo)

Ascolta Lonely Boy

Il ritorno degli Strokes vede un significativo cambiamento nel sound del gruppo che destabilizza ma non si disdegna. Una vaga aura di spensieratezza pervade i brani.

Sfido chiunque a non iniziare a muovere la testa a ritmo di musica all’ascolto di “Macchu Picchu”.
(Fabiana “Electra” Giovanetti)

Fondamentalmente, è un disco sul metodo. Lo stesso perseguito da Lana Del Rey: un collage di buone intenzioni altrui, in un corpo che non è un corpo ma un ologramma di centinaia di scene trapassate.

E quindi, per congeniale appropriazione del mezzo tecnologico e dei segreti della cantina, Alex Zhang Hungtai non è Dirty Beaches ma Elvis Presley, Alan Vega e l’Agente Speciale Dale Cooper che si allontana con discrezione dalla bara di Laura Palmer. Tutto insieme contemporaneamente.

Negli otto frammenti dedicati a Kurt Cobain, Jim Carrol scrisse uno di quei versi destinati a essere riciclati nei momenti più insoliti: Pressure. That’s how diamonds are made.

Ci hai ripensato quando hai ascoltato il nuovo disco dei Low, che è soffocante e ti trascina nel cuore lento delle cose. Poi si riscatta, poiché sembra che per loro la pressione- a differenza del cantante per cui quel verso è stato scritto- non sia l’unica alternativa ma una libera scelta. Conciliabile con la vita, e con il tuo privato modo di accettarla.

Perché i veri sobborghi sono del New Jersey- dove invece dell’alzabandiera la mattina si recitano passi scelti dall’opera omnia di Philip Roth- con buona pace di Win Butler e della sua ascendenza texana. “Days” ha due chiavi di lettura: la prima coincide con la copertina (case a schiera, sole ovattato, ognuno tragga le sue conclusioni).

La seconda chiave di lettura risale invece al giorno in cui avete usato la bici senza rotelle per la prima volta mentre vostro padre rimaneva a guardarvi dall’altro lato della strada. La banalità, si sa, è una faccenda spietata.

Quando è diventato un uomo Bill Callahan si è sentito dire da sua madre che con quella voce poteva fare quello che voleva. Deve essere andata così: che prima sua madre, e poi le sue donne, e poi i suoi produttori, e poi gli sfigati a cui ha dato un alibi per sentirsi meno tali, gli hanno detto a cuore aperto: con quella voce, Bill, puoi fare quello che vuoi.

E lui lo ha fatto. Di nuovo.

Non è che se sei una ragazza questo disco lo capisci meglio. Non è che se hai letto “La Campana di Vetro”, stretto i denti quando Patti Smith urlava Horses, Horses, Horses o conservato vecchie intervista in cui Courtney Love raccontava di essere stata solo una bambola triste in California con un’alta concezione di se e un’altrettante consistente propensione a inciampare, questo disco diventi automaticamente tuo.

Però è un po’ come se accadesse. Un po’ come se il tuo essere ragazza, qui, accadesse. E facesse la differenza.

La Carla Bozulich del domani.

Canzoni dall’altra parte del vetro, con cinque dita tese contro la finestra e un sorriso ambiguo che può essere un addio, un arrivederci o un bentornato a casa.

Tra certe atmosfere da Laurel Canyon tanto tempo fa e gli accenti soul-elettronici di una qualsiasi città occidentale oggi, Feist scrive un disco sul modo contorto che hanno le persone di girarsi intorno prima di piombare l’una sull’altra. Dimostrando che si può parlare di felicità e rassicurare l’ascoltare facendo a meno di prevedibili ritornelli.

Con il tempo le parole assumono un peso specifico sempre meno importante. Il dream pop riusciva nel nobile obiettivo di trasportarti altrove nonostante l’evidente ostacolo delle parole, di un ragionamento che ti costringeva ad ancorarti a un emozione riconoscibile.

Se Hope Sandoval di Mazzy Star ti dice di piangere, tu lo fai. Ma se Liz Harris in arte Grouper ottiene lo stesso effetto senza dire niente, lasciandoti senza corpo, né voce, né coscienza sensibile, allora la sua deve essere una magia tutta particolare.

Se solo non fosse un’offesa all’intelligenza e al talento dell’autrice, lo si potrebbe considerare un disco politico. Lo sforzo che andrebbe fatto- nonostante i tempi cupi e il contesto che ci circonda- è quello di emancipare un’opera d’arte del genere (che rasenta la perfezione, davvero) dal destino collettivo, da qualsiasi primavera di resurrezione in Egitto come altrove, e ricondurla al centro delle cose, dove è il suo posto: nel cuore dell’uomo com’è, e non come dovrebbe essere.

Un uomo che davanti a “Let England Shake” si scuote, si commuove, e non per questo diventa una persona migliore.

Prova tu a far fuori il candidato a Gesù Cristo dell’indie folk e a confessare che sei tutt’altro che magnifico, prova tu a convincere il pubblico che anche se smetti di percorrere le strade del dolore hai ancora qualcosa da dire, e che puoi ergerti imperioso sulla tua stessa mitologia. Prova tu a trascinarci nel soft rock e negli strati dei sintetizzatori e a farci sentire ugualmente consolati.

E non sarà magnifico, Justin Vernon, ma ci ha detto che potevamo averlo, che questo potevamo averlo: una guarnigione accettabile, Phil Collins nel retrobottega, i telefilm melensi con le luci natalizie sugli alberi anche quando è estate. Che potevamo averlo, e lo abbiamo.

Il mondo dove la morte vive.

Con “Saivo” si rinnova la magia del dark folk della band finlandese custode di segreti ancestrali e misteri ultraterreni.

Dall’Io al Noi.

“Hermann” è un complesso ed emozionante trattato sulla condizione umana. Testi di una bellezza accecante per il più grande poeta musicale dell’Italia di oggi.

Memorie elettroniche dal futuro.

I veterani dell’elettronica si impongono di nuovo sulla scena musicale con un album inaspettatamente fresco e accattivante, nel quale convivono alla grande partiture chamber-troniche e spinte technoidi.

Danimarca distorta.

Furia hardcore e un martellante piglio post-punk per dodici brevi schegge che vanno a comporre un esordio difficilmente dimenticabile.

I piccoli re della città della pioggia nera.

Da molti additati come gli eredi dei Sisters of Mercy, in realtà gli Ulterior from London sono molto più che dei semplici epigoni della band di Andrew Eldritch. Tanta tamarraggine total leather nel primo album del quartetto inglese, ma anche tanta genuina vitalità, selvaggia e oscura. Musiche per una nuova credibilissima Gotham City.

Amplessi sul velluto.

Il terzo figliuolo delle Belve si fa largo seguendo i tremiti provocati da una lieve tensione erotica, alla ricerca di una misteriosa, intima passionalità.

Dio uccida la regina.
Polly Jean seppellisce la scabrosa ribelle dei tempi che furono per rinascere però in una veste non meno interessante, quella di indagatrice più che dei propri demoni, dei fantasmi della guerra che tormentano la nostra civiltà.

Fragili Cattedrali.

Lo snobbatissimo quintetto si eleva dalla marmaglia dei soliti indie-wavers con uno stupendo, elegante album dal suono epico e insieme fragile.

La luce dopo la nevicata.

Prosegue la fantastica avventura musicale di Justin Vernon. Dopo la dolce austerità di For Emma, ecco la primavera del nuovo album, che rivela inaspettati intrecci policromatici e nuovi delicati sussulti.

Le rivelazioni della rivelazione.

La non riconosciuta principessa del suono oscuro scrive il testamento di una coscienza divisa tra agonia e malcelata speranza. Il disco più intenso dell’anno.

Il primo disco dei The Vaccines spacca! Il loro indie-rock è stato travolgente sin dal primo ascolto.

Viene voglia che l’estate ritorni prima possibile e magari trovarsi ad una bella festa in spiaggia, con una birra in mano a ballarli freneticamente. Da festeggiarci.

Un giorno mi è bastato ascoltare “The Beast”, brano conclusivo di questo esordio discografico degli Austra, capitanati dalla bellissima voce di Katie Stelmanis per rimanerne folgorato.

Un disco a metà strada tra Zola Jesus e i The Knife. Un disco molto bello. Imperiosi.

– Il 2011 è l’anno di inizio per il nuovo progetto di Antonio Di Martino, ex-cantante dei palermitani Famelika. Questo suo primo disco sicuramente è un esordio brillante che tra l’altro vanta anche della collaborazione di Vasco Brondi nel brano “Parto” (che adoro!).

Il suo rock è pieno di energia ed i maestri si sono fatti sentire in questo caso. Veramente interessante.

Questa piccola ragazza, scoperta per caso quest’anno, ha pubblicato un esordio discografico davvero delizioso. Dotata di una bella voce, Erica Mou canta con una dolcezza disarmante le sue verità sulla vita e sull’amore di oggi.

Pugliese doc, è un’artista che vale la pena seguire. Dolcissima.

Sconosciuta a molti, il secondo disco di questa graziosa ragazza accompagnata dalla sua fedele band, non brilla per originalità. Ma ogni canzone si lascia ascoltare con piacere, quasi ad affascinarti lentamente. Un po’ come quelle compagne di scuola che non hai mai notato, ma che un giorno scopri di esserne innamorato follemente. Delizioso.

I Verdena hanno passato il 2011 in giro per l’Italia e non solo. A gennaio hanno pubblicato questo doppio disco che ha conquistato tutti.

La loro forza nel corso degli anni è aumentata assieme anche alla considerazione che hanno acquisito nel panorama italiano. La forza del disco, ricco di brani che ti si stampano in testa, sta nel suo modo di essere variegato, senza però mai tradire il proprio stile. Coraggiosi.

L’esordio discografico di questi ragazzi americani, è piaciuto a molti. Moltissimo a me.

Un disco indie-rock fatto bene e ricco di pezzi che ti si incollano in testa. “Rubber” mi ha fatto compagnia per molti mesi assieme al suo video psichedelico in cui veniva lavato un cane. Puramente indie.

Il secondo capitolo di Dario Brunori ha colpito nel segno. Non solo perché dal precedente disco abbiamo un lavoro più maturo e completo, ma perché ogni canzone è un gioiello che brilla di luce propria.

Uno dei miei dischi preferiti di quest’anno. Ma anche uno dei dischi maggiormente osannati in questo 2011 nel panorama italiano. Da ascoltare assolutamente.

A me questo disco ha dato alla testa. Come quando si beve una buona birra e non vedi l’ora di prenderne un’altra, e poi un’altra ancora. L’esordio di questa band è stato folgorante. C’è chi lo ha apprezzato e chi no. Io l’ho semplicemente amato questo disco. Dipendenza pura.

Altro esordio eccellente del 2011, spetta al progetto di Trevor Powers, aka Youth Lagoon, capace di pubblicare un disco malinconico e luminoso allo stesso tempo.

Lo-Fi per gli addetti, musica che arriva dentro al cuore per i profani. Amore a primo ascolto.

“Tryptich” ci regala suoni dimenticati che, se ascoltati da un’angolazione nuova, hanno in nuce i semi di ciò che verrà. Nascosti, latenti, ma pur sempre preziosamente vicini.

La nobile arte del glitch attraverso il filtro di un sentire noise. Un fragile equilibrio rotto solo dai silenzi tra una traccia e l’altra. Sublime e violenta quiete.

Un rituale etnologico a cui la musica non riesce più a sottrarsi divenendone vittima e carnefice allo stesso tempo.

È la più alta espressione di techno nel 2011 proprio perché da essa parte e ad essa ritorna passando per ambiti impervi, brulli e lontani. Non è solo musica. Non è più techno.

Improvvisazione. Pura e semplice improvvisazione. Vengono alla mente Eno e Byrne di “My Life in the Bush of Ghosts” ma sarebbe stupido non ammettere che “Furrier” vive di vita propria. Proprio perché suono casuale, indiscreto, supremamente confuso.

Un album rigorosamente anarchico che basta a se stesso. Si dischiude, si sviluppa e muore decine di volte senza cambiare il suo suono. Uno stile inconfondibile proprio perché non è nessuno stile ma un semplice flusso di cinica coscienza.

il ritmo può essere succube delle sensazioni. Nel caso dei Byetone ne è l’artefice supremo.

A dispetto di tutto, la rivoluzione è una cosa semplice. È un’artista che suona e canta. Il resto è divinamente superfluo.

Le dinamiche di una tragedia. Quando la musica è tra le pieghe del dolore e la memoria vive in ogni nota. Un piccolo (piccolissimo) capolavoro contemporaneo.

Lo spazio tra numeri e poesia ha una sua fisica. Alva Noto ne scrive le regole volgendo lo sguardo all’universo e le sue impressioni sono musica pura.

Il disco giusto per incasinarsi il cervello senza fare uso di droghe, con in sovrappiù il fatto che ascoltandolo ti puoi fare un sacco di paranoie senza spendere nulla.

Io mi riconosco un sacco nei testi di Tiziano anche se non sono un tipo paranoico, e la musica poi è degna di quel grande autore di pop italiano che per l’appunto Tiziano è.

Il disco giusto per incasinarsi il cervello senza fare uso di droghe.

Questi qua ci hanno guadagnato parecchio dall’addio di Ty Braxton, e quando sei vicino a capire cosa stanno suonando loro sono già avanzati di un passo. Geniali.

Mi gasa tantissimo ascoltare in auto la notte il nuovo dei Foo Fighters.

A volte mentre lo ascolto mi illudo di avere ancora sedici anni, essere in botta per il punk californiano & i Nirvana ed essere in sella ad uno scooter elaborato fino al midollo. Bella storia.

Li credevo dispersi invece son tornati con un mezzo capolavoro che non si filerà nessuno ma resta sempre un mezzo capolavoro anche solo perché è un disco che se ne frega delle leggi di mercato ed è vero e sincero come pochi. Bravi.

Musica pop di classe, quasi house music da stadio con ritornelli da cantare in coro e da cantare in tanti.

Bella sorpresa (si dice sempre così, anche se sono almeno tre dischi che impazzisco per i Pnau – non scopro di certo l’acqua calda).

Un disco tamarro con i pochi, che se lo ascolti troppo ti crescono i baffi a manubrio e poi la gente si spaventa quando ti vede.

I Justice hanno pescato dal mazzo i suoni più eccessivi, li hanno messi insieme con una certa perizia ed hanno confezionato un’opera che verrà capita negli anni. Respect.

Stroncato dalla solita turbocritica che via via negli anni è impazzita per Offlaga Disco Pax, Il Genio, I Cani ed altri progetti portasfiga, è un disco di pop italiano con le palle.

Bugo è un frontman di livello eccelso e meriterebbe di riempire gli stadi, altroché pubblico cosiddetto indie che non riesce a capirlo perché non vuole.

Dal Canton Ticino alla conquista del mondo, pop analogico come lo si faceva trenta e passa anni fa.

Che i tizi che stanno lavorando al megafilm tratto da “Player One” di Ernes Cline gli facciano comporre la colonna sonora, please.

Un disco che ha tante cose da dire e le dice benissimo, come pochi altri in Italia riescono a fare.

Si ride e ci si commuove fino alle lacrime, ed intanto ci si rende conto che chi era adolescente negli anni novanta ha già toccato i trent’anni. Meno male che ci sono gli Ex-Otago, certezza su cui contare.

Un disco da paura. Suonano cover di grandi classici italiani, ma lo fanno come potrebbero farlo quelle due menti geniali di Dargen D’Amico e Nic Sarno.

E dunque, canzoni che non c’entrano nulla con l’originale e vivono di vita propria – così come dovrebbe essere per una cover che si rispetti